Bandes Dessinées

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Bande Dessinée - Premières impressions et dessins animés :

Les premiers documents imprimés se concentraient sur des sujets religieux, avec des versions densément illustrées de la Bible en tant que support largement diffusé qui combinait de nombreuses images avec du texte afin d'apporter les enseignements du christianisme aux analphabètes.

Au cours des XVIIe et XVIIIe siècles, les estampes ont commencé à aborder des aspects de la vie politique et sociale, et ont également commencé à faire la satire et la caricature.
Parfois, les gravures contenaient plusieurs images pour raconter plusieurs scènes d'un récit, par exemple dans les représentations de Frans Hogenberg de la fureur espagnole (1576) et du meurtre d'Henri III de France (1589).
Les deux premières des six assiettes de la série "Mariage à la Mode" de Hogarth.
La première plaque représente la signature d'un contrat de mariage entre le riche Lord Squanderfield et le pauvre père marchand de la mariée.
La deuxième planche représente une matinée dans la maison du couple après une soirée.
Le chien sort un bonnet de la poche du mari, ce qui peut faire allusion à l'infidélité puisque la femme porte déjà un bonnet.

L'un des premiers créateurs britanniques de séries séquentielles d'art satirique fut William Hogarth (1697–1764).
Hogarth a créé sept ensembles d'images séquentielles sur des "sujets moraux modernes".
L'une de ses œuvres, A Rake's Progress, était composée de plusieurs toiles, chacune reproduite sous forme d'estampe, et les huit estampes créaient ensemble un récit.
Au fur et à mesure que les techniques d'impression se sont développées, en raison des avancées technologiques de la révolution industrielle, des magazines et des journaux ont été créés.
Ces publications utilisaient parfois des illustrations comme moyen de commenter des questions politiques et sociales, ces illustrations devenant connues sous le nom de «dessins animés» depuis 1842.

Alors que des œuvres survivantes de ces périodes, telles que A True Narrative of the Horrid Hellish Popish Plot de Francis Barlow (vers 1682) ainsi que The Punishments of Lemuel Gulliver et A Rake's Progress de William Hogarth (1726), peuvent être considérées comme établissant un narratif sur un certain nombre d'images, ce n'est qu'au XIXe siècle que les éléments de ces œuvres ont commencé à se cristalliser dans la bande dessinée.

La bulle a également évolué au fil des siècles, depuis les origines médiévales du phylactère, une étiquette, généralement sous la forme d'un rouleau, qui identifiait un personnage soit en le nommant, soit en utilisant un court texte pour expliquer son objectif.
Des artistes tels que George Cruikshank ont aidé à codifier ces phylactres comme des ballons plutôt que des rouleaux, bien qu'à cette époque ils s'appelaient encore des étiquettes.
Ils représentaient désormais une narration, mais à des fins d'identification plutôt que de dialogue au sein de l'œuvre, et les artistes les ont rapidement abandonnés au profit d'un dialogue sous les panneaux.
Les bulles n'ont pas été réintroduites dans le formulaire jusqu'à ce que Richard F. Outcault les utilise pour le dialogue.

Bande Dessinée - Formulaire établi :

Une page de Rodolphe Töpffer, dont le travail est considéré comme influent dans l'élaboration de la forme de la bande dessinée ( BD ).

Le Glasgow Looking Glass, publié en 1826, était sans doute le premier magazine de bandes dessinées. Une publication satirique, plus tard connue sous le nom de The Northern Looking Glass, elle a tourné en dérision les modes et la politique de l'époque.
Il contenait la plupart des éléments qui composent la bande dessinée moderne, y compris des images avec des légendes qui affichent un récit continu souvent raconté par tranches, et l'utilisation de bulles, de satire et de caricature.

Rodolphe Töpffer, artiste suisse francophone, est une figure incontournable du début du XIXe siècle.
Bien que les phylactères soient tombés en disgrâce au milieu du XIXe siècle, les histoires illustrées séquentiellement de Töpffer, avec du texte compartimenté sous les images, ont été réimprimées dans toute l'Europe et aux États-Unis.
L'absence de lois sur le droit d'auteur à l'époque signifiait que les éditions piratées proliféraient et que les versions traduites créaient un marché sur les deux continents pour des œuvres similaires.

En 1843, Töpffer a formalisé ses réflexions sur l'histoire en images dans son Essai sur la physionomie : « Construire une histoire en images ne signifie pas que vous devez vous ériger en maître artisan, pour tirer tous les potentiels de votre matériau - souvent jusqu'au Il ne s'agit pas de concevoir des caricatures au crayon naturellement frivoles.
Ce n'est pas non plus simplement de dramatiser un proverbe ou d'illustrer un jeu de mots.
Il faut en fait inventer une sorte de pièce de théâtre, où les parties sont disposées par plan et forment un ensemble satisfaisant. .
Vous ne vous contentez pas d'écrire une blague ou de mettre un refrain dans des distiques.
Vous faites un livre : bon ou mauvais, sobre ou idiot, fou ou sensé."

En 1845, les dessins satiriques, qui paraissent régulièrement dans les journaux et magazines, prennent un nom : les caricatures. (Dans l'art, un dessin animé est une esquisse au crayon ou au fusain à peindre.)
Le magazine britannique Punch, lancé en 1841, qualifiait ses "crayons humoristiques" de dessins animés dans une référence satirique au Parlement de l'époque, qui organisait lui-même une exposition de caricatures, ou de dessins préparatoires, à l'époque.
Cet usage est devenu le langage courant, qui dure jusqu'à nos jours.
Des magazines similaires contenant des dessins animés en Europe continentale comprenaient Fliegende Blätter et Le Charivari, tandis qu'aux États-Unis, Judge et Puck étaient populaires.

1865 voit la publication de Max et Moritz de Wilhelm Busch par un journal allemand.
Busch a affiné les conventions de l'art séquentiel, et son travail a été une influence clé au sein de la forme, Rudolph Dirks s'est inspiré de la bande pour créer The Katzenjammer Kids en 1897.

Premières bandes dessinées ( BD )sérialisées pour un public de masse
Bandes Dessinées - Le 20e siècle et les médias de masse

Les années 1920 et 1930 ont vu de nouveaux booms au sein de l'industrie.
Le marché des anthologies de en Grande-Bretagne s'est tourné vers le ciblage des enfants à travers l'humour juvénile, avec The Dandy et The Beano.
bandes dessinées.
En Belgique, Hergé a créé la bande de journal Les Aventures de Tintin pour un supplément comique; cela a été rassemblé avec succès dans un album relié et a créé un marché pour d'autres œuvres de ce type.
La même période aux États-Unis avait vu les de journaux élargir leur sujet au-delà de l'humour, avec le lancement de bandes d'action, d'aventure et de mystère.
bandes dessinées
La collecte de ce matériel a également commencé, avec The Fu. nnies, une collection de réimpressions de bandes de journaux, publiée au format tabloïd en 1929.

Un marché pour de telles bandes dessinées ( BD )a rapidement suivi et, en 1938, les éditeurs imprimaient du matériel original dans ce format.
C'est à ce moment-là que Action Comics # 1 a été lancé, avec Superman comme couverture.
La popularité du personnage a rapidement consacré le super-héros comme le genre déterminant des bandes dessinées américaines.
Le genre a perdu de sa popularité dans les années 1950 mais a rétabli sa domination de la forme des années 1960 jusqu'à la fin du XXe siècle.

Au Japon, un pays avec une longue tradition d'illustration, la bande dessinée était extrêmement populaire.
Appelée manga, la forme japonaise a été établie après la Seconde Guerre mondiale par Osamu Tezuka, qui a étendu le nombre de pages d'une œuvre à des centaines et qui a développé un style cinématographique, fortement influencé par les animations Disney de l'époque.
Le marché japonais a élargi sa gamme pour couvrir des œuvres dans de nombreux genres, de la fantaisie juvénile à la romance en passant par les fantasmes pour adultes.
Les mangas japonais sont généralement publiés dans de grandes anthologies, contenant plusieurs centaines de pages, et les histoires racontées ont longtemps été utilisées comme sources d'adaptation en film d'animation.
Au Japon, ces films sont appelés anime et de nombreux créateurs travaillent simultanément sous les deux formes, ce qui conduit à un lien intrinsèque entre les deux formes.

Au cours de la seconde moitié du XXe siècle, les bandes dessinées ( BD ) sont devenues un objet très populaire pour les collectionneurs et, à partir des années 1970, les éditeurs de bandes dessinées américains ont activement encouragé la collecte et déplacé une grande partie de l'édition et de la production de bandes dessinées pour attirer directement la communauté des collectionneurs.

Écrivant en 1972, Sir Ernst Gombrich a estimé que Töpffer avait développé un nouveau langage pictural, celui d'un style artistique abrégé, qui permettait au public de combler les lacunes avec son imagination.

La double utilisation moderne du terme bande dessinée, en tant qu'adjectif décrivant un genre et nom désignant un médium entier, a été critiquée comme déroutante et trompeuse.
Dans les années 1960 et 1970, les dessinateurs underground ont utilisé le comix orthographique pour distinguer leur travail des bandes dessinées grand public et des bandes dessinées juvéniles.
Leur travail a été écrit pour un public adulte mais était généralement comique, donc l'étiquette "comique" était toujours appropriée.
Le terme roman graphique a été popularisé à la fin des années 1970, après avoir été inventé au moins deux décennies auparavant, pour éloigner le matériau de cette confusion.

Dans les années 1980, la bourse de la bande dessinée a commencé à s'épanouir aux États-Unis,  et une résurgence de la popularité de la bande dessinée a été observée, avec Alan Moore et Frank Miller produisant des œuvres de super-héros notables et Calvin & Hobbes de Bill Watterson, et The Far Side de Gary Larson. être syndiqué.

Les webcomics ont gagné en popularité depuis le milieu des années 1990.

Depuis la création du World Wide Web, les artistes ont pu publier eux-mêmes des bandes dessinées sur Internet à moindre coût.
Les hébergeurs spécialement conçus pour les webcomics, tels que Keenspot et Modern Tales, permettent un type de syndication des webcomics.
Scott McCloud a décrit en 2000 comment les créateurs de bandes dessinées en ligne peuvent révolutionner le médium en embrassant l'espace numérique et en utilisant des techniques telles que la toile infinie.
Les webcomics sont devenus plus prolifiques au début des années 2000, alors que des prix de bandes dessinées respectés tels que les prix Eagle et Eisner ont commencé à ajouter des catégories pour les bandes dessinées numériques.
La première bande dessinée hebdomadaire à présenter un personnage régulier était Half Holiday d' Ally Sloper , qui a fait ses débuts dans le magazine d'humour britannique Judy en 1867 et a été créée par CH Ross et illustrée par sa femme française Emilie de Tessier.
En 1884, le personnage alors très populaire a été transformé en sa propre bande dessinée, Ally Sloper's Half Holiday publiée par Dalziel Brothers, longue de huit pages et imprimée en noir et blanc au format tabloïd.
Le magazine était extrêmement populaire auprès de la classe ouvrière et pouvait avoir un tirage aussi élevé que 350 000 exemplaires.
En 1890, deux autres magazines de bandes dessinées ont fait leurs débuts au public britannique, Comic Cuts et Illustrated Chips, établissant la tradition de la bande dessinée britannique en tant que périodique d'anthologie contenant des bandes dessinées.


Aux États-Unis, R.F. Le travail d'Outcault consistant à combiner des bulles et des images sur Hogan's Alley et The Yellow Kid a été reconnu comme établissant la forme et les conventions de la bande dessinée, bien que des universitaires aient découvert des travaux antérieurs qui combinent des bulles et un récit multi-images.
Cependant, la popularité du travail d'Outcalt et la position de la bande dans un journal conservent le crédit en tant que force motrice de la forme.
Une page de Rodolphe Töpffer, dont le travail est considéré comme influent dans l'élaboration de la forme de la bande dessinée.

Le Glasgow Looking Glass, publié en 1826, était sans doute le premier magazine de bandes dessinées. Une publication satirique, plus tard connue sous le nom de The Northern Looking Glass, elle a tourné en dérision les modes et la politique de l'époque.
Il contenait la plupart des éléments qui composent la bande dessinée moderne, y compris des images avec des légendes qui affichent un récit continu souvent raconté par tranches, et l'utilisation de bulles, de satire et de caricature.

Rodolphe Töpffer, artiste suisse francophone, est une figure incontournable du début du XIXe siècle. Bien que les phylactères soient tombés en disgrâce au milieu du XIXe siècle, les histoires illustrées séquentiellement de Töpffer, avec du texte compartimenté sous les images, ont été réimprimées dans toute l'Europe et aux États-Unis.
L'absence de lois sur le droit d'auteur à l'époque signifiait que les éditions piratées proliféraient et que les versions traduites créaient un marché sur les deux continents pour des œuvres similaires.

Premières bandes dessinées sérialisées pour un public de masse :

La première bande dessinée hebdomadaire à présenter un personnage régulier était Half Holiday d' Ally Sloper , qui a fait ses débuts dans le magazine d'humour britannique Judy en 1867 et a été créée par CH Ross et illustrée par sa femme française Emilie de Tessier.
En 1884, le personnage alors très populaire a été transformé en sa propre bande dessinée, Ally Sloper's Half Holiday publiée par Dalziel Brothers, longue de huit pages et imprimée en noir et blanc au format tabloïd.
Le magazine était extrêmement populaire auprès de la classe ouvrière et pouvait avoir un tirage aussi élevé que 350 000 exemplaires.
En 1890, deux autres magazines de bandes dessinées ont fait leurs débuts au public britannique, Comic Cuts et Illustrated Chips, établissant la tradition de la bande dessinée britannique en tant que périodique d'anthologie contenant des bandes dessinées.

Aux États-Unis, R.F. Le travail d'Outcault consistant à combiner des bulles et des images sur Hogan's Alley et The Yellow Kid a été reconnu comme établissant la forme et les conventions de la bande dessinée, bien que des universitaires aient découvert des travaux antérieurs qui combinent des bulles et un récit multi-images.
Cependant, la popularité du travail d'Outcalt et la position de la bande dans un journal conservent le crédit en tant que force motrice de la forme

BD

Une bande dessinée, également appelée bande dessinée, magazine de bande dessinée ou (au Royaume-Uni et en Irlande) simplement bande dessinée, est une publication qui se compose d'art de la bande dessinée sous la forme de panneaux juxtaposés séquentiels qui représentent des scènes individuelles.
Les panneaux sont souvent accompagnés d'une prose descriptive et d'un récit écrit, généralement un dialogue contenu dans des bulles de mots emblématiques de la forme d'art de la bande dessinée.

"Comic Cuts" était une bande dessinée britannique publiée de 1890 à 1953.
Elle a été précédée par "Ally Sloper's Half Holiday" (1884) qui se distingue par son utilisation de dessins animés séquentiels pour dérouler le récit.
Ces bandes dessinées britanniques ont coexisté avec les populaires "Penny dreadfuls" (comme "Spring-heeled Jack"), les "Story papers" pour garçons et le humoristique Punch (magazine) qui a été le premier à utiliser le terme "cartoon" dans ses sens moderne d'un dessin humoristique.
L'imbrication des dessins et de l'écrit avait été lancée, entre autres, par William Blake (1757 - 1857) dans des œuvres telles que "The Descent Of Christ" (1804 - 1820) de Blake.

La première bande dessinée moderne (de style américain), Famous Funnies, est sortie aux États-Unis en 1934 et était une réimpression de bandes dessinées d'humour de journaux antérieures, qui avaient établi de nombreux dispositifs de narration utilisés dans les bandes dessinées.
Le terme bande dessinée dérive des bandes dessinées américaines qui étaient autrefois une compilation de bandes dessinées au ton humoristique; cependant, cette pratique a été remplacée par des histoires de tous genres, généralement pas humoristiques.

Le plus grand marché de la bande dessinée est le Japon.

En 1995, le marché des mangas au Japon était évalué à 586,4 milliards de yens (6 à 7 milliards de dollars), avec des ventes annuelles de 1,9 milliard de livres de mangas (volumes tankōbon et magazines de mangas) au Japon, ce qui équivaut à 15 numéros par personne.
En 2020, le marché du manga au Japon a atteint une nouvelle valeur record de 612,5 milliards de yens en raison d'une croissance rapide des ventes de mangas numériques ainsi que d'une augmentation des ventes d'imprimés.
Le marché de la bande dessinée aux États-Unis et au Canada était évalué à 1,09 milliard de dollars en 2016.
Depuis 2017, le plus grand éditeur de bandes dessinées aux États-Unis est le distributeur de mangas Viz Media, suivi de DC Comics et Marvel Comics, les franchises originales en édition spéciale intégrale, notamment Superman, Batman, Wonder Woman, Spider-Man, l'incroyable Hulk et les X-Men.
Les catégories de bandes dessinées les plus vendues aux États-Unis en 2019 sont la fiction pour enfants juvéniles à 41 %, les mangas à 28 % et les bandes dessinées de super-héros à 10 % du marché.
Un autre grand marché de la bande dessinée est la France, où la bande dessinée franco-belge et le manga japonais représentent chacun 40 % du marché, suivis par la bande dessinée américaine avec 10 % de part de marché.

Structure - Bandes dessinées § Terminologie

Les bandes dessinées dépendent de leur organisation et de leur apparence.
Les auteurs se concentrent en grande partie sur le cadre de la page, la taille, l'orientation et les positions des panneaux.
Ces aspects caractéristiques de la bande dessinée sont nécessaires pour transmettre le contenu et les messages de l'auteur.
Les éléments clés des bandes dessinées comprennent les panneaux, les bulles (bulles), le texte (lignes) et les personnages.
Les bulles sont généralement des conteneurs spatiaux convexes d'informations liées à un personnage utilisant un élément de queue.
La queue a une origine, un chemin, une pointe et une direction pointue.
Les tâches clés dans la création de bandes dessinées sont l'écriture, le dessin et la coloration.
Il existe de nombreuses formules technologiques utilisées pour créer des bandes dessinées, y compris les directions, les axes, les données et les métriques.
Suivre ces procédures de formatage clés est l'écriture, le dessin et la coloration.
Aux États-Unis, le terme bande dessinée est généralement utilisé pour les périodiques de bandes dessinées et les livres de poche, tandis que le roman graphique est le terme utilisé pour les livres autonomes.

Bandes dessinées américaines

La bande dessinée en tant que support d'impression existe aux États-Unis depuis l'impression des Aventures de M. Obadiah Oldbuck en 1842 en couverture rigide, ce qui en fait le premier prototype de bande dessinée américain connu.
Les périodiques proto-comics ont commencé à apparaître au début du 20e siècle, la première bande dessinée de taille standard étant Funnies on Parade .
Funnies on Parades a été le premier livre à établir la taille, la durée et le format de la bande dessinée moderne.
Ensuite, Famous Funnies: A Carnival of Comics de 36 pages de Dell Publishing, la première véritable bande dessinée américaine en kiosque; Goulart, par exemple, l'appelle "la pierre angulaire de l'une des branches les plus lucratives de l'édition de magazines".
En 1905, G. W. La Dillingham Company a publié 24 bandes sélectionnées du dessinateur Gustave Verbeek dans un livre d'anthologie intitulé "The Incredible Upside-Downs of Little Lady Lovekins and Old Man Muffaroo".
L'introduction de Superman de Jerry Siegel et Joe Shuster en 1938 a fait de la bande dessinée une industrie majeure et a inauguré l'âge d'or de la bande dessinée.
L'âge d'or est à l'origine de l'archétype du super-héros.
Selon l'historien Michael A. Amundson, des personnages de bandes dessinées attrayants ont contribué à apaiser la peur des jeunes lecteurs face à la guerre nucléaire et à neutraliser l'anxiété suscitée par les questions posées par l'énergie atomique.

Les historiens divisent généralement la chronologie de la bande dessinée américaine en époques.

- L'âge d'or des bandes dessinées a commencé en 1938, avec les débuts de Superman dans Action Comics # 1, publié par Detective Comics (prédécesseur de DC Comics), qui est généralement considéré comme le début de la bande dessinée moderne telle qu'elle est connue aujourd'hui.
- L'âge d'argent des bandes dessinées est généralement considéré comme datant du premier renouveau réussi de la forme de super-héros alors en sommeil, avec les débuts du Flash dans Showcase # 4 (octobre 1956).
L'âge d'argent a duré jusqu'à la fin des années 1960 ou au début des années 1970, période au cours de laquelle Marvel Comics a révolutionné le médium avec des super-héros naturalistes tels que Stan Lee et Jack Kirby's Fantastic Four et Lee et Steve Ditko's Spider-Man.
- La démarcation entre l'âge d'argent et l'ère suivante, l'âge du bronze de la bande dessinée, est moins bien définie, l'âge du bronze allant du tout début des années 1970 au milieu des années 1980.
 - L'ère moderne des bandes dessinées s'étend du milieu des années 1980 à nos jours.
Un événement notable dans l'histoire de la bande dessinée américaine est venu avec les critiques du psychiatre Fredric Wertham sur le médium dans son livre Seduction of the Innocent (1954), qui a incité le sous-comité du Sénat américain sur la délinquance juvénile à enquêter sur les bandes dessinées.
Wertham a affirmé que les bandes dessinées étaient responsables d'une augmentation de la délinquance juvénile, ainsi que d'une influence potentielle sur la sexualité et la morale d'un enfant.
En réponse à l'attention du gouvernement et des médias, l'industrie américaine de la bande dessinée ( BD ) a créé la Comics Magazine Association of America.
La CMAA a inculqué la Comics Code Authority en 1954 et a rédigé le code d'autocensure de la bande dessinée cette année-là, qui exigeait que toutes les bandes dessinées passent par un processus d'approbation.
Il a fallu attendre les années 1970 pour que les bandes dessinées puissent être publiées sans passer par l'inspection de la CMAA.
Le Code a été officiellement aboli en novembre 2011.

Bandes dessinées souterraines

À la fin des années 1960 et au début des années 1970, une vague de créativité a émergé dans ce qui est devenu connu sous le nom de bandes dessinées underground.
Publiées et distribuées indépendamment de l'industrie établie de la bande dessinée, la plupart de ces bandes dessinées reflétaient la contre-culture des jeunes et la culture de la drogue de l'époque.
Underground comix "a reflété et commenté les divisions et les tensions sociales de la société américaine".
Beaucoup avaient un style décomplexé, souvent irrévérencieux; leurs représentations franches de la nudité, du sexe, des blasphèmes et de la politique n'avaient aucun parallèle en dehors de leurs précurseurs, les "bibles de Tijuana" pornographiques et encore plus obscures.
Les bandes dessinées underground n'étaient presque jamais vendues dans les kiosques à journaux, mais plutôt dans des points de vente destinés aux jeunes comme les magasins principaux et les magasins de disques, ainsi que par correspondance.
Les bandes dessinées underground ont encouragé les créateurs à publier leur travail de manière indépendante afin qu'ils aient les pleins droits de propriété sur leurs personnages.

The Adventures of Jesus de Frank Stack, publié sous le nom de Foolbert Sturgeon été crédité comme la première bande dessinée underground ; tandis que R. Crumb et l'équipe de dessinateurs qui ont travaillé sur Zap Comix ont popularisé la forme.

The Adventures of Jesus de Frank Stack, publié sous le nom de Foolbert Sturgeon a été crédité comme la première bande dessinée underground ; tandis que R. Crumb et l'équipe de dessinateurs qui ont travaillé sur Zap Comix ont popularisé la forme.

Bandes dessinées alternative :

L'essor des magasins spécialisés dans la bande dessinée à la fin des années 1970 a créé / parallèlement un marché dédié aux bandes dessinées «indépendantes» ou «alternatives» aux États-Unis.
Les premières bandes dessinées de ce type comprenaient la série d'anthologies Star Reach , publiée par l'auteur de bandes dessinées Mike Friedrich de 1974 à 1979, et American Splendor de Harvey Pekar , qui a continué sa publication sporadique au 21e siècle et que Shari Springer Berman et Robert Pulcini ont adapté dans un film de 2003. .
Certaines bandes dessinées indépendantes ont continué dans la tradition des bandes dessinées underground.
Alors que leur contenu restait généralement moins explicite, d'autres ressemblaient à la production des éditeurs traditionnels en termes de format et de genre, mais étaient publiés par de plus petites sociétés appartenant à des artistes ou par des artistes individuels.
Quelques-uns (notamment RAW) représentaient des tentatives expérimentales pour rapprocher la bande dessinée du statut des beaux-arts.

Au cours des années 1970, la culture de la "petite presse" s'est développée et diversifiée.

Dans les années 1980, plusieurs éditeurs indépendants - tels que Pacific, Eclipse, First, Comico et Fantagraphics - avaient commencé à publier un large éventail de styles et de formats - des bandes dessinées de super-héros en couleur, de détective et de science-fiction aux bandes dessinées en noir et blanc.

Un certain nombre de petits éditeurs dans les années 1990 ont changé le format et la distribution de leurs bandes dessinées pour ressembler davantage à l'édition non comique.
La forme " minicomics ", une version extrêmement informelle de l'auto-édition, est née dans les années 1980 et est devenue de plus en plus populaire parmi les artistes dans les années 1990, bien qu'elle ait atteint un public encore plus limité que la petite presse.

Parmi les petits éditeurs qui publient régulièrement des titres, citons Avatar Press, Hyperwerks, Raytoons et Terminal Press, soutenus par des avancées technologiques telles que l'impression numérique à la demande.

Romans graphiques

Les Centers for Disease Control and Prevention ont publié ce roman graphique pédagogique en 2018 pour empêcher les jeunes de propager des maladies infectieuses
Roman  graphique

En 1964, Richard Kyle a inventé le terme "roman graphique".

Les précurseurs de la forme existaient dans les années 1920, qui ont vu un renouveau de la tradition médiévale de la gravure sur bois par le Belge Frans Masereel, l'Américain Lynd Ward et d'autres, dont Stan Lee.

En 1947, Fawcett Publications a publié "Comics Novel No. 1", comme le premier d'une série prévue de ces "romans de bande dessinée".
L'histoire du premier numéro était " Anarcho, dictateur de la mort ", un conte d'espionnage en cinq chapitres écrit par Otto Binder et dessiné par Al Carreno.
Il est lisible en ligne au Digital Comic Museum (<https://digitalcomicmuseum.com/index.php?dlid=8272>).
Le magazine n'a jamais atteint un deuxième numéro.

En 1950, St. John Publications a produit le "roman illustré" It Rhymes with Lust, de la taille d'un résumé et destiné aux adultes, un résumé de 128 pages de l'écrivain pseudonyme "Drake Waller" (Arnold Drake et Leslie Waller), du dessinateur Matt Baker et de l'encreur Ray. Osrin, présenté comme "un roman complet original" sur sa couverture. "It Rhymes with Lust" est également disponible en ligne au Digital Comic Museum (<https://digitalcomicmuseum.com/index.php?dlid=27911

En 1971, l'écrivain-artiste Gil Kane et ses collaborateurs ont appliqué un format de poche à leur "roman de bande dessinée" Blackmark.
Will Eisner a popularisé le terme «roman graphique» lorsqu'il l'a utilisé sur la couverture de l'édition de poche de son ouvrage A Contract with God, and Other Tenement Stories en 1978 et, par la suite, l'utilisation du terme a commencé à augmenter.

Collection de bandes dessinées :

Les années 1970 ont vu l'avènement des magasins de bandes dessinées spécialisés.
Initialement, les bandes dessinées étaient commercialisées par les éditeurs auprès des enfants parce que les bandes dessinées étaient perçues comme un divertissement pour enfants.
Cependant, avec la reconnaissance croissante des bandes dessinées en tant que forme d'art et la présence croissante de la culture pop dans les conventions de bandes dessinées, elles sont désormais adoptées par de nombreux adultes.

Les collectionneurs de bandes dessinées sont souvent des passionnés de longue date des histoires de bandes dessinées, et ils se concentrent généralement sur des héros particuliers et tentent d'assembler l'intégralité d'un titre.
Les bandes dessinées sont publiées avec un numéro séquentiel.
Le premier numéro d'une longue série de bandes dessinées est généralement le plus rare et le plus recherché par les collectionneurs.
La première apparition d'un personnage spécifique, cependant, pourrait être dans un titre préexistant.
Par exemple, la première apparition de Spider-Man était dans Amazing Fantasy #15.
De nouveaux personnages étaient souvent introduits de cette façon et ne recevaient pas leurs propres titres tant qu'il n'y avait pas un public avéré pour le héros.
En conséquence, les bandes dessinées qui présentent la première apparition d'un personnage important seront parfois encore plus difficiles à trouver que le premier numéro du propre titre d'un personnage.

Certaines bandes dessinées rares incluent des copies de l'inédit Motion Picture Funnies Weekly # 1 de 1939.
Huit exemplaires, plus un sans couverture, sont apparus dans la succession de l'éditeur décédé en 1974. La "copie payante" de ce livre s'est vendue 43 125 $ en une vente aux enchères du patrimoine en 2005.

Les bandes dessinées américaines les plus précieuses ont combiné rareté et qualité avec les premières apparitions de personnages populaires et durables.
Quatre bandes dessinées se sont vendues pour plus d'un million de dollars américains en décembre 2010, dont deux exemples d'Action Comics # 1, la première apparition de Superman, tous deux vendus en privé via le revendeur en ligne ComicConnect.com en 2010, et Detective Comics # 27, la première apparition de Batman, via une vente aux enchères publique.

En mettant à jour le prix ci-dessus obtenu pour Action Comics # 1, la première apparition de Superman, la vente la plus élevée jamais enregistrée pour ce livre est de 3,2 millions de dollars, pour un exemplaire 9.0.

Les erreurs d'impression, les impressions promotionnelles incitatives des revendeurs de bandes dessinées et les problèmes de distribution extrêmement faible ont également généralement une valeur de rareté.
Les bandes dessinées modernes les plus rares incluent le tirage original de The League of Extraordinary Gentlemen # 5, que le directeur de DC, Paul Levitz, a rappelé et réduit en pâte en raison de l'apparition d'une publicité vintage de l'époque victorienne pour "Marvel Douche", que l'éditeur considérait comme offensante; seulement 100 exemplaires existent, dont la plupart ont été classés CGC.

En 2000, une société nommée Comics Guaranty (CGC) a commencé à "daller" les bandes dessinées, les enveloppant dans du plastique épais et leur attribuant une note numérique.
Depuis lors, d'autres sociétés de classement ont vu le jour.
Parce que la condition est importante pour la valeur des bandes dessinées rares, l'idée d'un classement par une entreprise qui n'achète ni ne vend de bandes dessinées semble être une bonne idée.
Cependant, il existe une certaine controverse quant à savoir si ce service de classement vaut le coût élevé, et s'il s'agit d'une évolution positive pour les collectionneurs, ou s'il sert principalement les spéculateurs qui souhaitent réaliser un profit rapide en négociant des bandes dessinées comme on pourrait échanger des actions ou beaux-arts.
Le classement des bandes dessinées a créé des normes d'évaluation que les guides de prix en ligne tels que GoCollect et GPAnalysis ont utilisés pour rendre compte des valeurs marchandes en temps réel.

Les pages d'œuvres d'art originales des bandes dessinées sont également collectées, et ce sont peut-être les plus rares de tous les objets de collection de bandes dessinées, car il n'y a qu'une seule page d'illustration unique pour chaque page imprimée et publiée.
Ceux-ci ont été créés par un écrivain, qui a créé l'histoire; un artiste au crayon, qui a disposé les panneaux séquentiels sur la page ; un artiste à l'encre, qui repassait le crayon à la plume et à l'encre noire ; un lettreur, qui a fourni le dialogue et la narration de l'histoire en lettrant à la main chaque mot; et enfin un coloriste, qui a ajouté la couleur comme dernière étape avant que les pages finies ne soient envoyées à l'imprimante.

Lorsque les pages originales des illustrations sont renvoyées par l'imprimeur, elles sont généralement restituées aux artistes, qui les vendent parfois lors de conventions de bandes dessinées, ou dans des galeries et des expositions d'art liées à l'art de la bande dessinée.
Les pages originales de DC et Marvel les premières apparitions de personnages légendaires tels que Superman, Batman, Wonder Woman, Hulk et Spider-Man sont considérées comme inestimables.

Histoire de la race dans les bandes dessinées américaines
De nombreuses premières itérations de personnages noirs dans les bandes dessinées "sont devenues des variations sur" l'image stéréotypée unique de Sambo "."
Sambo était étroitement lié au stéréotype coon mais présentait quelques différences subtiles.
Ils sont tous les deux une manière péjorative de représenter des personnages noirs.
"Le nom lui-même, une abréviation de raton laveur, est déshumanisant.
Comme pour Sambo, le raton laveur était dépeint comme un bouffon paresseux, facilement effrayé, chroniquement oisif, inarticulé."
Cette représentation "était bien sûr une autre tentative de solidifier le l'infériorité intellectuelle de la communauté noire à travers la culture populaire."
Cependant, dans les années 1940, il y a eu un changement dans la représentation des personnages noirs.
"Un coup d'œil rapide ... pourrait donner l'impression que la situation s'est améliorée pour les Afro-Américains dans les bandes dessinées."
Dans de nombreuses bandes dessinées produites à cette époque, il y avait une poussée majeure pour la tolérance entre les races. "Ces héros soucieux d'égalité ont commencé à passer à l'action au moment même où les Afro-Américains étaient invités à participer à l'effort de guerre."

Pendant ce temps, un programme dirigé par le gouvernement, le Writers 'War Board, s'est fortement impliqué dans ce qui serait publié dans les bandes dessinées.
"Le Writers' War Board a utilisé des bandes dessinées pour façonner les perceptions populaires de la race et de l'ethnicité..."
Non seulement ils utilisaient des bandes dessinées comme moyen de recruter tous les Américains, mais ils les utilisaient également comme propagande pour "[construire ] une justification de la haine raciale des ennemis étrangers de l'Amérique."
Le Writers' War Board a créé des bandes dessinées destinées à "[promouvoir] l'harmonie raciale nationale".
Cependant, "ces récits pro-tolérance ont eu du mal à surmonter les tropes négatifs populaires et largement compris utilisés pendant des décennies dans la culture de masse américaine...".
Cependant, ils n'accomplissaient pas ce programme dans toutes leurs bandes dessinées.

Dans Captain Marvel Adventures, un personnage nommé Steamboat était un amalgame de certains des pires stéréotypes de l'époque.
Le Writers' War Board n'a demandé aucun changement avec ce personnage. "L'élimination de Steamboat a nécessité les efforts déterminés d'un groupe de jeunes noirs à New York."
À l'origine, leur demande a été refusée par des personnes travaillant sur la bande dessinée en déclarant: "Captain Marvel Adventures comprenait de nombreux types de caricatures" pour le plaisir de l'humour ". ."
Le groupe de jeunes noirs a répondu par "ce n'est pas la race noire, mais vos millions et demi de lecteurs le penseront."
Ensuite, Steamboat a complètement disparu des bandes dessinées.
Une bande dessinée a été créée sur le 99e Escadron, également connu sous le nom de Tuskegee Airmen, une unité de l'armée de l'air entièrement noire.
Au lieu de faire la bande dessinée sur leur histoire, la bande dessinée parlait de Hop Harrigan.
Un pilote blanc qui capture un nazi, lui montre des vidéos du 99e Escadron battant ses hommes, puis révèle au nazi que ses hommes ont été vaincus par des Afro-Américains, ce qui l'a exaspéré car il les considère comme une race moins supérieure et ne peut pas croire qu'ils ont battu son hommes. "Les aviateurs de Tuskegee et des images d'aviateurs noirs n'apparaissent que dans trois des cinquante-trois panneaux ...
les pilotes du 99e escadron n'ont aucun dialogue et n'interagissent ni avec Hop Harrigan ni avec son captif nazi." temps, ils ont également utilisé des personnages noirs dans les bandes dessinées comme moyen d'invalider les groupes noirs militants qui se battaient pour l'égalité aux États-Unis.
"Spider-Man" a clairement indiqué que le pouvoir noir militant n'était pas le remède à l'injustice raciale ".
"Le Faucon a ouvertement critiqué le comportement des Noirs en déclarant" qu'il est peut-être important pour nous  de calmer les choses - afin que nous puissions protéger les droits pour lesquels nous nous sommes battus "."
Cette représentation et le développement du personnage des personnages noirs peuvent être partiellement blâmé le fait qu'à cette époque, "il y avait rarement eu un artiste ou un écrivain noir autorisé dans une grande maison de bande dessinée.
Les personnages asiatiques ont subi le même traitement dans les bandes dessinées que les personnages noirs.
Ils ont été déshumanisés et le récit poussé était qu'ils étaient "incompétents et sous-humains".
"Un numéro de 1944 des Marines des États-Unis comprenait un récit intitulé The Smell of the Monkeymen. l'odeur corporelle trahit leurs emplacements cachés."
Les caractères chinois ont reçu le même traitement.
"Au moment où les États-Unis sont entrés dans la Seconde Guerre mondiale, les perceptions négatives des Chinois étaient une partie établie de la culture de masse..."
Cependant, craignant que les Japonais puissent utiliser le matériel anti-chinois américain comme propagande, ils ont commencé "à présenter un image plus positive des alliés chinois de l'Amérique..."
Tout comme ils ont essayé de montrer une meilleure représentation des Noirs dans les bandes dessinées, ils ont fait de même pour les Asiatiques.
Cependant, "les caractères japonais et philippins étaient visuellement impossibles à distinguer. Les deux groupes ont des dents de cheval grotesques, des vêtements en lambeaux et une peau jaune vif."
Les personnages asiatiques étaient auparavant décrits comme des "démons jaunes horribles".
Pendant la Seconde Guerre mondiale, " super-héros majeur digne de ce nom s'est consacré à l'éradication des envahisseurs asiatiques."
Il y avait "une course de relais constante dans laquelle une culture asiatique passait simplement le relais de la haine à une autre sans changements perceptibles dans la manière dont les personnages seraient dépeints."

"La seule représentation spécifique d'un super-héros hispanique ne s'est pas bien terminée.
En 1975, Marvel nous a donné Hector Ayala (alias The White Tiger)."
"Bien qu'il ait combattu pendant plusieurs années aux côtés de beaucoup plus héros populaires tels que Spider-Man et Daredevil, il n'a duré que six ans avant que les ventes de bandes dessinées le mettant en scène ne deviennent si mauvaises que Marvel l'a fait prendre sa retraite.

EXEMPLE :
Le personnage hispanique le plus célèbre est Bane, un méchant de Batman." :
La représentation amérindienne dans les bandes dessinées "peut se résumer au stéréotype du noble sauvage" "un thème récurrent ... a exhorté les Indiens d'Amérique à abandonner leur hostilité traditionnelle envers les États-Unis.
Ce sont eux qui sont dépeints comme intolérants et irrespectueux des préoccupations dominantes de l'Amérique blanche

BD franco-belge
Bandes dessinées franco-belges La France et la Belgique ont une longue tradition de bandes dessinées et de bandes dessinées, souvent appelées BD (abréviation de bandes dessinées, littéralement "bandes dessinées" en français, et strips en néerlandais ou en flamand.
Les bandes dessinées belges écrites à l'origine en néerlandais montrent l'influence des bandes dessinées francophones "franco-belges" mais ont leur propre style distinct.